60s

The Doors – Spanish Caravan

Posted on by Claudia Paesano

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TESTO:

Carry me, caravan
Take me away
Take me to Portugal
Take me to Spain
Andalusia with fields
full of grain
I have to see you
Again and again

Take me,
Spanish caravan
Yes, I know you can…

Trade winds find galleons
Lost in the sea
I know a treasure
Is waiting for me
Silver and golden
The mountains of Spain
I have to see you
Again and again

Take me,
Spanish caravan
Yes I know you can…

TRADUZIONE:

Portami, carovana
Portami via
Portami in Portogallo
Portami in Spagna
Andalusia con campi
Pieni di grano
Ho bisogno di vederti
Ancora e ancora

Portami,
Carovana spagnola
Si, lo so che puoi…

I venti Alisei trovano galeoni
Perduti nel mare
So che un tesoro
Mi sta aspettando
D’argento e d’oro
Le montagne di Spagna
Ho bisogno di vederti
Ancora e ancora

Portami,
Carovana spagnola
Si, lo so che puoi…

Scritta da:

Robby Krieger

Eseguita da: 

  • Jim Morrison – Voce
  • Ray Manzarek – Organo
  • Robby Krieger – Chitarre
  • John Densmore – Batteria

Ciao a tutti!

Perdonate la lunghissima assenza, ma questo sarà un ritorno in grande stile con Spanish Caravan, un piccolo capolavoro dei Doors contenuto nel loro terzo album: Waiting for the Sun (1968).  🌅

Sulle note di un arpeggio dalle sonorità tipicamente spagnole (quelle del flamenco), Jim ci porta nella penisola iberica. Più precisamente, tra le montagne fiabesche dell’Andalusia, che esercitano una forza magnetica irresistibile.
Tutto il brano, infatti, esprime un grande amore per quella terra: I have to see you again and again.

Ma perché “carovana spagnola”?
La carovana era una modalità adoperata dagli invasori europei nell’esplorazione dei territori americani.
In questo caso, al contrario, una carovana parte alla ricerca di un “Eldorado” europeo, fatto di montagne dorate e campi di grano.
Numerosi sono, appunto, i richiami cromatici al colore dell’oro.
E il viaggio è spinto da un desiderio non tanto di evasione, quanto di avventura e di ricerca della felicità.

Ma veniamo alla parte più emozionante, almeno per me.
Il tema acustico si interrompe per poi riprendere pochi secondi dopo:
le due chitarre iniziali sono sostituite da una geniale e sorprendente combinazione di organo e chitarra distorta che ricorda i suoni di un temporale.
Io vedo davanti agli occhi una cascata o, ancora meglio, un acquazzone, e folate di vento impetuoso (a partire dal minuto 1.58 e in particolare al minuto 2.16 poco prima della parola “winds”)…
Voi cosa vedete?

Le frasi: “Trade winds find galleons lost in the sea, I know a treasure is waiting for me” sono estremamente suggestive.
La musica incalza, con il suo ritmo sempre più insistente e circolare, come altissime onde di un mare in tempesta, misterioso e oscuro.
Ho notato che la maggior parte delle interpretazioni di questo verso descrivono antichi galeoni che giacciono, sommersi, sul fondo del mare, carichi d’oro.
Personalmente, ogni volta che ascolto questa canzone, complice anche l’impostazione della musica a livello strumentale, vedo un mare in tempesta, un cielo grigio o notturno squarciato di fulmini ed enormi navi in balia del vento e di immense onde, contro cui combattono con tutte le proprie forze per non affondare.
Anche i galeoni fanno parte dell’iconografia spagnola, essendo il mezzo con il quale i conquistatori si spostavano tra il “nuovo” e il “vecchio” continente.
Ma non sappiamo niente sulle anacronistiche navi della canzone, non sappiamo qual è la loro destinazione e neppure se ci arriveranno mai. Sappiamo solo che sono disperse in mare.
Si salverà l’equipaggio?

Antitetico rispetto al verso precedente, I know a treasure is waiting for me ne condivide il trepidante senso di mistero, ma in chiave ottimista. Ricco di speranza, racchiude il significato dell’intero brano: una metafora per la ricerca della felicità. Ma potrebbe anche riferirsi, più in generale, al futuro del protagonista.
Mi fa venire la pelle d’oca ogni volta.
La vita non è solo (o comunque non sempre) un mare in tempesta in cui ci si può perdere. Nasconde un tesoro (o più tesori); sta a te scoprire quale e spetta a te il compito di affrontare mille avversità per raggiungerlo.
Ricorda: non “I hope“, ma “I know a treasure is waiting for me“.
Quel tesoro esiste ed è lì per te.
Ti sta solo aspettando.

Claudia Paesano

The Rolling Stones – Under My Thumb

Posted on by Claudia Paesano

aftermath

TESTO:

Under my thumb
The girl who once had me down
Under my thumb
The girl who once pushed me around
It’s down to me
The difference in the clothes she wears
Down to me, the change has come,
She’s under my thumb
Ain’t it the truth babe?

Under my thumb
The squirmin’ dog who’s just had her day
Under my thumb
A girl who has just changed her ways
It’s down to me, yes it is
The way she does just what she’s told
Down to me, the change has come
She’s under my thumb
Say it’s alright

Under my thumb
A siamese cat of a girl
Under my thumb
She’s the sweetest, hmmm, pet in the world
It’s down to me
The way she talks when she’s spoken to
Down to me, the change has come,
She’s under my thumb
Take it easy babe

It’s down to me, oh yeah
The way she talks when she’s spoken to
Down to me, the change has come,
She’s under my thumb
Yeah, it feels alright

Under my thumb
Her eyes are just kept to herself
Under my thumb, well I
I can still look at someone else
It’s down to me, oh that’s what I said
The way she talks when she’s spoken to
Down to me, the change has come,
She’s under my thumb
Say, it’s alright.
Say it’s all…
Say it’s all…
Take it easy, babe
Take it easy, babe
Feels alright
Take it, take it easy, babe.

TRADUZIONE:

La tengo in pugno
La ragazza che una volta mi dominava
La tengo in pugno
La ragazza che una volta era prepotente con me
Dipende da me
Quello che indossa
Dipende da me, il cambiamento è avvenuto
La tengo in pugno
Non è forse la verità, bimba?

Lo tengo in pugno
Il cane indisciplinato che ha avuto il suo momento
La tengo in pugno
Una ragazza che ha appena cambiato i suoi modi di fare
Dipende da me, si, è così,
Il modo in cui fa ciò che le si dice di fare
Dipende da me, il cambiamento è avvenuto
La tengo in pugno
Si, dì che va tutto bene

La tengo in pugno
Più un gatto siamese che una ragazza
La tengo in pugno
Lei è il più dolce animaletto domestico del mondo
Dipende da me
Il modo in cui parla quando le si rivolge la parola
Dipende da me, il cambiamento è avvenuto
La tengo in pugno
Rilassati, bimba

Dipende da me, si
Il modo in cui parla quando le si rivolge la parola
Dipende da me, il cambiamento è avvenuto
La tengo in pugno
Mi sento bene

La tengo in pugno
I suoi occhi sono fissi solo su se stessa
La tengo in pugno
Beh, io invece posso ancora guardare qualcun altro
Dipende da me, l’ho detto,
Il modo in cui parla quando le si rivolge la parola
Dipende da me, il cambiamento è avvenuto
La tengo in pugno

Scritta da:

Mick Jagger e Keith Richards

Eseguita da:

  •  Mick Jagger – Voce
  • Keith Richards – Chitarra elettrica
  • Brian Jones – Chitarra acustica,
    marimba (una specie di xilofono)
  • Bill Wyman – Basso
  • Charlie Watts – Batteria

Bentrovati, amanti del rock!

La canzone di cui voglio parlarvi oggi è “Under My Thumb”, contenuta nel settimo album, “Aftermath”, che le Pietre, ormai più miliari che Rotolanti, pubblicarono nel luglio 1966, esattamente cinquant’ anni fa. Molto probabilmente, fu ispirata dalla modella Chrissie Shrimpton dopo una frequentazione con il cantante della band.

Prima di cominciare vorrei fare una premessa: questa è una recensione un po’ diversa dalle altre.
Il motivo?
Per quanto ami con tutto il cuore i Rolling Stones, che rientrano a pieno titolo tra i miei gruppi preferiti, devo ammettere che non riesco ad ascoltare Under My Thumb, senza che quest’ultima mi trasmetta un certo senso di rabbia.
Inoltre, nonostante io sia a conoscenza del palese intento provocatorio del brano, non voglio rimanere indifferente.
Non è assolutamente mia intenzione sminuire la strameritata fama degli Stones con questo articolo, vorrei semplicemente condividere con voi le mie idee riguardo al pezzo in questione.

La canzone è passata alla storia non solo per il suo tanto elementare quanto intramontabile riff, ma anche per essere stata la colonna sonora dell’omicidio di Altamont, che contribuì a creare, nell’immaginario collettivo, l’associazione musica rock – violenza.
Gli ingenui Stones si stavano esibendo all’Altamont Free Concert nel 1969, come tante altre volte, ignari di ciò che sarebbe accaduto di lì a poco.
Forse il termine più adatto a definirli sarebbe “incoscienti”, piuttosto che “ingenui”.
Vi starete chiedendo il perché.
Ebbene, Mick e compagni avevano ingaggiato come servizio “sicurezza” gli Hells Angels*.
Risultato?
Proprio durante il finale di Under My Thumb, scoppiò una feroce rissa tra il pubblico e i raccomandabilissimi riders, conclusasi con l’accoltellamento mortale del giovane Meredith Hunter (a seguito dell’estrazione di un’arma da fuoco da parte di quest’ultimo) ad opera dell’ Hells Angel Alan Passaro.

Ma, curiosità a parte, andiamo ad analizzare il brano.
L’essenziale e pacata melodia di marimba ne scandisce non solo l’inzio, ma l’intera durata, fino alla sua conclusione, risultando, così, leggermente monotona. Fa da sfondo alla decisa voce di Jagger:

[…] La tengo in pugno
La ragazza che una volta mi dominava
La tengo in pugno
La ragazza che una volta era prepotente con me […]

La chitarra si limita a tenere un ritmo rilassato, al quale corrisponde un altrettanto rilassato Jagger che, con tutta la nonchalance del mondo, pronuncia parole davvero discutibili, le quali, come si può facilmente immaginare, scatenarono lo sdegno e le proteste delle femministe degli anni ’60, e che, inoltre, contrastano aspramente con la spensierata morbidezza delle note.
Il cantante paragona più volte la ragazza ad un animale domestico,

[…] Lo tengo in pugno
Il cane indisciplinato che ha avuto il suo momento […]
Più un gatto siamese che una ragazza
La tengo in pugno
Lei è il più dolce animaletto domestico del mondo […]

e insiste nell’affermare che è lui a decidere come la giovane si debba vestire o addirittura come debba parlare. Personalmente, trovo queste ultime cose piuttosto inquietanti. Ricordano i tanti casi di violenza che vedono la donna completamente sottomessa e manipolata psicologicamente dall’uomo. Oggi (2022) sono persino diventati un trend di cui ragazzine sempre più in tenera età si vantano su Tik Tok.

[…] Dipende da me quello che indossa […]
[…] Dipende da me il modo in cui fa ciò che le si dice di fare […]
[…] Dipende da me il modo in cui parla quando le si rivolge la parola […]

La quasi ossessiva ripetizione di under my thumb sta a sottolineare il controllo totale che il frontman esercita sulla ragazza.

Si tratta davvero di misoginia?
Mick si difese dalle accuse di maschilismo in un’intervista del 1984, dicendo (cito testualmente): “The whole idea was that I was under HER, SHE was kicking ME around. So the whole idea is absurd, all I did was turn the tables around. So women took that to be against femininity where in reality it was trying to ‘get back’ against being a repressed male.”

Non so come la pensate voi, ma per me questa non è una giustificazione.
Non stiamo parlando del classico brano che ha per protagonisti un cuore spezzato e la rabbia, il disprezzo e la delusione vomitati addosso a chi l’ha spezzato. Qui si va oltre.
Pensate agli scritti dei primissimi Led Zeppelin, come Your Time Is Gonna Come, Dazed And Confused, How Many More Times, Since I’ve Been Loving You, Black Dog, ecc (la lista è lunga)…
Attinti a piene mani da vecchi brani blues, e pur essendo estremamente semplici, questi testi raccontano di sentimenti genuini;
inveiscono, anche aspramente, contro la donna senz’anima di turno, dicendone di tutti i colori, ma sempre mantenendo la parità tra i ruoli, restando nei limiti. Qui i limiti vengono scavalcati.
Sappiamo che Under My Thumb non è né la prima né l’ultima canzone misogina scritta nella storia.

A questo proposito, concedetemi una piccola digressione.
Vorrei soffermarmi un po’ sulla figura che la donna ha assunto nel rock, con il tempo.
Sicuramente starete pensando alla donna intesa come “musa ispiratrice” (per usare un eufemismo), e magari non alla donna come protagonista attiva del panorama musicale.
Vi sarà venuta in mente una Pamela Des Barres, piuttosto che una Grace Slick.
Per intenderci, una groupie, piuttosto che una musicista.
Questo perché, per motivi storici che hanno visto le donne controllate e represse, chiuse in casa, al massimo impegnate nelle faccende domestiche e non nelle proprie passioni, il sesso femminile ancora non incarna la figura del musicista nell’immaginario collettivo, bensì viene percepito come una sorta di “accompagnamento” del musicista uomo.

E’ questo il punto, lasciate che vi faccia un esempio. E magari anche un paragone con la canzone di oggi.
“Rag Doll” degli Aerosmith fa al caso nostro.
La band, infatti, ci propone un abbagliate e patinato rock anni ’80 dalle sonorità irresistibili, che ci proietta direttamente tra le luci di Hollywood.
Ma prestiamo attenzione all’ammiccante e graffiata voce di Steven Tyler:

[…] I’m feelin’ like a bad boy, just like a bad boy
I’m rippin’ up a Rag Doll, like throwin’ away an old toy […]

Sono queste le frasi più rilevanti dell’intero brano che, purtroppo, ci offre la solita minestra trita e ritrita: la donna ridotta ad un mero oggetto sessuale.
Una bambola di pezza da stracciare e poi gettare via come un giocattolo vecchio che ormai non serve più.
Come se non bastasse, il testo presenta un crollo verticale nel cattivo gusto più totale con queste parole:

[…] Old tin lizzy, do it till you’re dizzy
Give it all ya got until you’re put out of your misery
Rag Doll livin’ in a movie
Hot tramp, Daddy’s little cutie
You’re so fine, they’ll never see ya leavin’ by the back door, ma’m
Hot time get it while it’s easy
Don’t mind, come on up and see me
Rag Doll, baby, won’t ya do me like you done before?
Yes I’m movin’
Get ready for the big time […]

Lui vuole approfittarsi di Lei mentre è ubriaca, o sotto effetto di sostanze, o comunque, non in sé (to be dizzy = avere le vertigini).
Oltre che sugli squallidi nomignoli sessisti (hot tramp = puttanella), soffermiamoci sul fatto che la violenza descritta in questa canzone viene totalmente normalizzata.

Sia nel testo grossolano di Rag Doll, che in quello, ammettiamolo, esagerato di Under My Thumb, il rispetto verso la donna viene calpestato senza esitazione, insieme alla stessa concezione della sua figura, seppur in modi diversi; differenza espressa già solo dagli epiteti attribuiti alla giovane.
Se nel primo pezzo, Steven definisce Lei una “bambola di pezza”, un oggetto inanimato con cui giocare quando è annoiato, Mick la vede invece come un animale da addomesticare.

Secondo voi cos’è peggio?

Come leggiamo in Under My Thumb, infatti, la ragazza viene completamente sottomessa e posta, rispetto all’uomo, su un piano di inferiorità che tocca il fondo, per l’appunto, con il paragone con un animale da compagnia di proprietà del padrone: she’s the sweetest pet in the world.
Lui arriva ad annientarla psicologicamente, sopprimendo la sua personalità, rimanendo poi soddisfatto di aver messo in riga il “cane indisciplinato” e di averlo trasformato in un inoffensivo e grazioso Siamese.

Salvo qualche timido fraseggio e un modesto accenno di assolo, la chitarra rimane per lo più lineare, e il nostro cavaliere, non contento, ribadisce la disparità del rapporto fra i due: her eyes are just kept to herself, well, I can still look at someone else.
Afferma che, mentre lei è obbligata ad essergli fedele, lui invece è libero di “guardare” anche altre persone.

Beh, che dire… Non possiamo sapere se gli autori della canzone abbiano tenuto effettivamente un comportamento del genere nella realtà. Di certo si tratta di una pesante provocazione, di una ricerca di rottura con un mondo troppo ipocrita e “buonista”. Sicuramente l’intento degli autori era proprio quello di scandalizzare, com’è tipico del rock. Ma secondo me, in ogni caso, il testo rimane uno scivolone. Che, oltretutto, contrasta con il messaggio di libertà, di parità e di ribellione alle rigide regole sociali che il rock veicolava.

Lasciatemi ripetere ancora una volta che il mio obiettivo non era demolire dei mostri sacri (che adoro alla follia), ma presentarvi un pezzo che, a mio avviso, solleva ancora oggi tante polemiche.

E voi? Cosa ne pensate?
Fatemelo sapere e, se vi è piaciuta la recensione, condividetela dove volete 🙂

Claudia Paesano

*Nome abbreviato di “Hells Angels Motorcycle Club”, che sta ad indicare un’associazione motociclistica e organizzazione criminale nata negli Stati Uniti alla fine degli anni ’40. Un gruppo di reduci della seconda Guerra Mondiale decise di non tornare alla normale vita quotidiana ma, piuttosto, di dedicarsi a risse e viaggi a bordo delle inseparabili Harley Davidson. Il loro comportamento sfociava spesso nell’illegalità.

Negli anni ’60, i feroci centauri scandalizzarono l’opinione pubblica per la loro dedizione al pericolo, alla violenza e all’alcool, nonché per le idee politiche pro–Guerra del Vietnam e le loro inclinazioni ai movimenti di estrema destra.

Giusto per fare un esempio:
Nel 1965, durante una manifestazione pacifista contro la guerra del Vietnam, gli Hells Angels caricarono il corteo in segno di solidarietà verso i soldati americani.

King Crimson – 21st Century Schizoid Man

Posted on by Claudia Paesano

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TESTO:

Cat’s foot, iron claw
Neuro-surgeons scream for more
At paranoia’s poisoned door
Twenty first century schizoid man.

Blood, rack, barbed wire
Politicians’ funeral pyre
Innocents raped with napalm fire
Twenty first century schizoid man.

Death seed, blind man’s greed
Poet’s starving, children bleed
Nothing he’s got he really needs
Twenty first century schizoid man.

TRADUZIONE:

Zampa di gatto, artiglio di ferro
Neurochirurghi urlano “ancora!”
Alla porta avvelenata della paranoia
Uomo schizoide del ventunesimo secolo.

Sangue, tortura, filo spinato
Pira funeraria di politici
Innocenti stuprati dal fuoco del napalm
Uomo schizoide del ventunesimo secolo.

Seme di morte, cupidigia dell’uomo cieco
Il poeta muore di fame, i bambini sanguinano
Nulla di ciò che ha gli serve realmente
Uomo schizoide del ventunesimo secolo.

Scritta da:

Peter Sinfield

Eseguita da:

  • Greg Lake – Basso, voce
  • Robert Fripp – Chitarra
  • Ian McDdonald – Sassofono
  • Michael Giles – Batteria

Ciao a tutti!

Oggi analizzeremo una canzone scritta nel 1969 da Peter Sinfield, durante la guerra del Vietnam; sembra strano, ma è una puntuale previsione della nostra epoca.

Questo articolo è stato scritto dopo gli avvenimenti di Parigi del 2015 ma, dopo il recente (2022) scoppio della guerra in Ucraina, trovo che sia ancora attuale e, probabilmente, continuerà ad esserlo per molto tempo. L’orrore non deve paralizzarci, ma spronarci a costruire la pace che da sempre rincorriamo. E dalla musica possiamo imparare molto, poiché, in quanto arte, è uno specchio della società. Oltretutto, personalmente, amo parlare di brani vintage perché offrono uno spaccato della vita dell’Uomo in un’epoca diversa da quella presente. Con la Musica si può attraversare la Storia.

Ma ora torniamo al brano: appartiene al primo album dei King Crimson “In the Court of the Crimson King – An Observation by King Crimson” (Considerato da alcuni il miglior esordio della storia della musica, nonché manifesto del Progressive Rock). Il Re Cremisi in questione è Federico II di Svevia, il primo uomo moderno.
L’iconica copertina del disco, realizzata da Barry Godber, ritrae un uomo terrorizzato, disperato, nell’atto di gridare. I lineamenti distorti, grotteschi. Trasmette un senso di impotenza e di perdita di controllo. Ricorda “L’urlo” di Munch. E’ proprio lui, l’uomo schizoide del ventunesimo secolo.

Trenta secondi di trepidante silenzio e BOOM: ecco il riff allarmante che tutti conosciamo, che viene interrotto prepotentemente dalla voce distorta e innaturale di Greg Lake, la quale non ha più nulla di umano, proprio come l’Uomo contemporaneo. La linea vocale è sostenuta solo da un incalzante e martellante sottofondo di chitarra elettrica che, lapidaria, sottolinea ogni parola, riuscendo perfettamente a instillare nell’ascoltatore una sensazione di tensione e di ansia. Tutta l’attenzione è rivolta a ciò che Greg Lake canta.

Cat’s foot, Iron claw. Non vi sembra l’inizio di una formula magica?
Le strofe sono incalzanti, di grande tensione; qualcosa incombe su di noi o ci sta inseguendo lentamente.
Sangue, tortura, filo spinato: ecco gli altri ingredienti di quella che potrebbe essere la ricetta di un momento storico malato in cui, secondo Sinfield, la violenza regna. Non posso che essere d’accordo con lui, nonostante i rassicuranti dati odierni, che ci comunicano che la violenza è ai minimi storici. E’ anche vero che la violenza ha sempre accompagnato l’Uomo lungo il suo cammino. Potremmo definirla un universale umano e naturale, proprio di tutti i tempi e di tutte le culture. Ma basta pensare come al giorno d’oggi siamo costantemente bombardati da immagini violente che i media ci sottopongono per capire che, forse, Sinfield non ha proprio tutti i torti.

Ma torniamo al pezzo. Attenzione ai neurochirurghi di questa canzone. Sono figure stravolte. Urlano, assetati di sangue, alla ricerca di pazienti da operare. Eppure dovrebbero trasmettere fiducia e sicurezza… Sembrano quasi la materializzazione della paura di un ipocondriaco.
Uomo schizoide del ventunesimo secolo.
Le malattie mentali sono in aumento, specialmente in questo preciso periodo storico post pandemia. La cosa positiva è che se ne parla molto più di prima e, finalmente, si cerca di abbattere lo stigma ad esse legato. 

Cari lettori, non avete notato qualcosa?
Il titolo del pezzo si ripete alla fine di ogni strofa, proprio come avviene in Anyone for Tennis. La differenza è che adesso non vi è alcuna traccia di provocazione e ironia, ma solo una condanna seria e sprezzante verso il nostro secolo, dove l’Uomo è finito, avvelenato dalla paranoia.
E non è l’unica analogia con la canzone dei Cream. Infatti, entrambi i brani descrivono situazioni simili nella loro tremenda confusione. Un calderone di sofferenza, povertà, malattie mentali, sangue e fuoco. Tuttavia, una differenza ci balza all’occhio (o, per meglio dire, all’orecchio).
Nel pezzo dei King Crimson l’aggressività delle parole è amplificata da una musica altrettanto aggressiva e disturbante, per quanto irresistibile, priva di qualsiasi sfumatura di serenità. Cito wikipedia: “Gli strappi e le distorsioni ritraggono in modo compiutamente apocalittico gli orrori della guerra, proiettandola in un futuro senza speranza”.

Ma ora caliamoci nel sanguinoso cuore del pezzo.
I politici hanno perso credibilità, vengono spazzati via e gettati al rogo. Anarchia.
Basti pensare al presidente J. F. Kennedy, a Aldo Moro e a tanti altri.
Come altre canzoni degli anni ’60, anche questa è una canzone contro la Guerra del Vietnam.
L’invenzione del Napalm è una delle tante atrocità escogitate dalla mente umana per commettere omicidi di massa, e qui viene sbattuta in faccia all’ascoltatore con un’immagine brutale: persone che, violentate dalle fiamme, tentano invano di scappare dalla morte. La potenza delle parole di Sinfield è da pelle d’oca, sta nel senso di compassione e di rabbia che ci trasmettono. Assistiamo, impotenti, al massacro.

La parte centrale della canzone, totalmente strumentale, prende il nome di Mirrors.
Estremamente complesso e contorto, l’assolo segue, tuttavia, degli schemi precisi attinti dalla musica classica e dal jazz. E’ semplicemente iconico, un vero e proprio pezzo di storia della musica.
Il sassofono e la chitarra attaccano all’unisono, ma poi il primo si sfrena in evoluzioni e contorsionismi, e la seconda mantiene una certa, momentanea, linearità. Ad un tratto i suoni si mischiano tra loro, sospinti dalla bellicosa traccia di batteria, poi tornano entrambi sulla stessa identica melodia per interrompersi, tornare all’unisono e poi arrestarsi di nuovo in quello che sembra un gioco folle, il riso di scherno di un assassino. Non c’è logica nel male. La controllata confusione degli strumenti e il senso di disorientamento provocato dalle melodie esprimono in maniera esemplare questo concetto, così come la denuncia alla violenza. Caos. Da notare, tra le altre cose, che il finale del brano è costituito da rumore dissonante ispirato al Free Jazz*. 

E poi la sentenza di un’attualità disarmante: poet’s starving. Gli artisti fanno la fame in un mondo in cui tutto ciò che conta è il progresso scientifico, in cui non c’è più spazio per l’arte. L’individualità viene soppressa, l’originalità ignorata e la creatività punita.
Non c’è più spazio per le emozioni.
Per ciò che realmente ci rende vivi. Per ciò di cui siamo fatti. 
Per l’arte, che è senza dubbio fra le cose più belle che esistano e che rendono la vita degna di essere vissuta.

Children bleed. Non ho niente da aggiungere. Pensate ai milioni di bambini rapiti, violentati, torturati, imbottiti di droghe che vengono obbligati a combattere, a uccidere, a morire. O a quelli che vengono sfruttati in ogni modo possibile per far sì che altri bambini, altri ragazzi, altri adulti siano sommersi da beni materiali che scambiano per indispensabili, ma che poi, a conti fatti, non lo sono.
Nothing he’s got he really needs, 21st century schizoid man.

Claudia Paesano

* Il Free Jazz è un particolare tipo di Jazz nel quale, durante l’esecuzione, gli strumenti non seguono una struttura, ma ognuno di essi suona in contemporanea agli altri improvvisando in modo estemporaneo e atonale.

Cream – Anyone For Tennis

Posted on by Claudia Paesano

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TESTO:

Twice upon a time in the valley of the tears
The auctioneer is bidding for a box of fading years,
And the elephants are dancing on the graves of squealing mice…
Anyone for tennis, wouldn’t that be nice?

And the ice creams are all melting on the streets of bloody beer
While the beggars stain the pavements with flourescent Christmas cheers
And the Bentley driving guru is putting up his price…
Anyone for tennis, wouldn’t that be nice?

And the prophets in the boutiques give out messages of hope
With jingle bells and fairy tales and blind colliding scopes
And you can tell they’re all the same underneath the pretty lies…
Anyone for tennis, wouldn’t that be nice?

The yellow Buddhist monk is burning brightly at the zoo*,
You can bring a bowl of rice and then a glass of water too
And fate is setting up the chessboard while death rolls out the dice…
Anyone for tennis, wouldn’t that be nice? 

          

                                                                                                                                                    

TRADUZIONE:

C’era due volte nella valle delle lacrime
Il banditore sta facendo un’offerta per una scatola di anni che si dissolvono
E gli elefanti stanno danzando sulle tombe di topi che strillano…
Non sarebbe bello qualcuno per giocare a tennis?

E i gelati si stanno sciogliendo tutti
sulle strade della sanguinosa\ maledetta birra
Mentre i mendicanti macchiano i marciapiedi con auguri di Natale fluorescenti
E il guru al volante della Bentley sta aumentando il suo prezzo…
Non sarebbe bello qualcuno per giocare a tennis?

E i profeti nei negozi diffondono messaggi di speranza
con canzoncine e fiabe e prospettive cieche che si scontrano tra loro
E puoi dire che sono tutti uguali sotto le graziose bugie…
Non sarebbe bello qualcuno per giocare a tennis?

Il monaco buddhista giallo sta bruciando, brillante, allo zoo*,
gli puoi portare una ciotola di riso e magari anche un bicchiere d’acqua
E il fato sta impostando la scacchiera, mentre la morte lancia i dadi…
Non sarebbe bello qualcuno per giocare a tennis?

                                                                                       

                                                                                    

Scritta da:

Eric Clapton e Martin Sharp

Eseguita da:

  • Eric Clapton – Voce, chitarre
  • Jack Bruce – Basso
  • Ginger Baker – Percussioni
  • (Il mitico) Felix Pappalardi – Viola

Ciao a tutti!

Come prima canzone da proporvi ho scelto “Anyone For Tennis”, dei Cream, poco conosciuta, ma che molti amano alla follia.
Rilasciata nel maggio 1968 come singolo, compare un anno dopo nel quarto e ultimo album della band, “Goodbye”.

Già dai primi secondi della canzone veniamo calati in un’atmosfera ovattata, dove la chitarra acustica segue uno schema semplice: non si lascia andare a virtuosismi ma segue il ritmo ipnotico scandito dalle percussioni. Il tutto è accompagnato dalle sonorità insolenti di una viola.
Protagonista indiscussa del pezzo è la voce rassicurante del chitarrista Eric Clapton, poiché l’attenzione di chi ascolta vuole essere diretta proprio alle sue parole.
Infatti, con la stessa facilità con cui il loro suono pacato si mimetizza con la serenità della melodia, così il loro significato stride con la spensieratezza della base musicale.
Il testo si apre con un inquietante gioco di parole: twice upon a time, da once upon a time (c’era una volta), come a voler storpiare e al tempo stesso imitare le candide fiabe delle nostre tradizioni. E siamo subito catapultati nella “valle delle lacrime”, dove facciamo la conoscenza dell’inquietante figura del banditore d’asta che, paradossalmente, propone, con l’intento di truffarci, offerte immateriali invece di riceverle, e il mondo confuso e senza speranza che Clapton descrive non ha nulla a che vedere con le storie con le quali siamo cresciuti.
Spero che anche voi, come me, adoriate la frase “and the ice creams are all melting on the streets of bloody beer”, metafora diretta ed efficace che vuole sottolineare la progressiva perdita di positività e innocenza della nostra società.
Le parole aspre di Eric sono venate di sarcasmo ed evocano crude immagini di inganni e violenza, denunciando una società omologata e facilmente raggirabile, in cui le nostre menti e vite sono manipolate da chi ci propina ideologie cieche mascherate, con falsità, da fiabe e canzoni natalizie. E alla fine possiamo dire che sono tutte uguali.

E nemmeno l’estremo ha più un valore. La provocazione ironica a portare riso e acqua al monaco avvolto dalle fiamme denuncia la superficialità dell’uomo con una dicotomia tra chi si sacrifica per un ideale e chi invece resta indifferente, passivo.
Provocatoria è soprattutto la domanda che ricorre alla fine di ogni strofa e che dà anche il titolo al brano:

Anyone for tennis, wouldn’t that be nice?

E’ una sfida a non dare importanza ai veri problemi che ci circondano; è una sfida a continuare a rimanere imbambolati di fronte a chi, come il banditore o i profeti, ci promette astrazioni e belle bugie in cambio di costi alti; è una sfida a continuare a rimanere indifferenti a tutto, ad esempio, davanti ai senzatetto che muoiono per le strade, anche questi citati nel pezzo.
La canzone si conclude con la personificazione di due figure incorporee, il fato e la morte, che vuole far riflettere sulla caducità delle nostre vite in un modo al quale, forse, i Doors si sono ispirati per il finale della loro “Roadhouse Blues” (1970).
Per finire, possiamo sintetizzare la canzone in un vero e proprio inno alla lotta, in un invito a modificare il  sistema dannato in cui siamo invischiati.
Non la trovate straordinaria? Non dimentichiamo che è stata scritta quasi cinquant’anni fa ed è ancora perfettamente attuale!
Beh, che dire… I Cream sono sempre i Cream! E voi che ne pensate? Avete altre interpretazioni? Fatemelo sapere!

Claudia Paesano

*Probabilmente si riferisce al celebre e tragico episodio della crisi del Vietnam in cui, nel giugno del 1963, un monaco buddhista vietnamita si fece dare fuoco davanti agli occhi sconvolti dei poliziotti, in un terribile gesto di protesta contro il presidente del Vietnam del Sud e la sua politica di oppressione della religione buddhista.